lunes, 12 de septiembre de 2011

 JOE HISAISHI 久石譲
- PIANO STORIES BEST '88-08 (2008)

Tracklist:

1.
The Wind of Life (4:43)
2. Ikaros -2008 Remix (4:24)
3.
HANA-BI (3:37)
4.
Fantasia (6:57)
5.
Oriental Wind -2008 Remix (5:46)
6.
Innocent (2:32)
7.
Angel Springs (3:15)
8.
Il Porco Rosso (4:52)
9.
The Wind Forest (4:55)
10.
Cinema Nostalgia (6:11)
11.
Kids Return (4:41)
12.
A Summer's Day (3:08)
13.
A Merry-go-round of Life -Piano Solo Ver (4:28)

Notes

All Music Composed, Arranged and Produced by Joe Hisaishi
Piano by Joe Hisaishi (Except Track-08 Backing Piano by Masahiro Sayama)

Track 13 is noted as "Previously Unreleased". 
LINK: CLICK AQUÍ                                 FORMATO: MP3/320 Kbps



Comentarios: Joe Hisaishi tiene un catálogo de discos tan extenso y un material tan hermoso que siempre me quedaré corto posteando, pero este me pareció un buen aporte.
Las interpretaciones de este album son bastante tenues y melódicas, de una naturaleza muy romántica, incluyendo muchas canciones consagradas de los films de Hazao Miyazaki. Uno de mís más grandes influyentes en la música, palabra mayor.
 TRIX 窪田宏  - FANTASTIC (2009)


Tracklist:

01. 4.2.5.1. - 5:08
02. Skip Away - 4:50
03. Super Latino - 6:09
04. Volare Via - 4:27
05. S - 6:31
06. White Fairy - 5:17
07. Circulars - 5:21
08. Bos(t)on! - 6:14
09. Adoration - 5:14

RELATED ARTISTS:

* Hiroshi Kubota : Keyboards, Words & Vocal (8)
* Mitsuru Sutoh : Bass, Vocal (8)
* Noriaki Kumagai : Drums, Mixing Engineer, Vocal (8)
* Shizuka ' : Vocal & Voice (1,3)
* Takeshi Hirai : Guitars, Vocal (8)

LINK: CLICK AQUÍ                            FORMATO: MP3/320 Kbps



Comentarios: Virtuosismo, tecnicismo, armonía, melodía, sentimiento, nostalgia, etc. etc. son todos parámetros que tienden necesariamente a separarse porque evidentemente es muy difícil es manifestar tantas cosas en una composición. No obstante quien crea que alguna o cualquiera de esas cosas quita a la otra, es un cretino. Trix es la soberbia expresión de mís palabras, realmente muy pocos músicos saben cómo transmitir tantas emociones mostrando una identidad propia. 
 Una banda increible, un disco estupendo, contundente, bello, lleno de sensaciones para todos nuestros momentos, y tecnicamente de primer nivel. Imperdible, quien no haya escuchado nada, debe indagar inmediatamente.

sábado, 10 de septiembre de 2011

Naoto Shibata Project - Konami Perfect Selection Dracula Battle II (1995)

Tracklist:
 
01 Beginning 3:45
02 Theme of Simon 3:35
03 Road of Enemy #1 4:51
04 Den 4:11
05 Theme from the Legend of Dracula 3:27
06 Ascension to the Castle 3:54
07 Thrashard in the Cave 4:50
08 Reincarnated Soul 3:40
09 Iron Blue Intention 5:25
10 Dance of Illusions 4:36
Disc length 42:14


Notes

Tracks 1, 4, 10: from Dracula X: Rondo of Blood
Tracks 2, 7: from Akumajo Dracula X68000
Track 3: from Castlevania II: Belmont's Revenge
Track 5: from Castlevania Adventure
Track 6: from Super Castlevania IV
Tracks 8, 9: from Castlevania: Bloodlines

Composition: Konami Kukeiha Club

Arrangement: Naoto Shibata

Performance: Naoto Shibata Project
    Bass Guitar: Naoto Shibata
    Synthesizer: Koichi Seiyama
    Guitar: Katsu Ohta (太田カツ)
    Guitar: 斉藤和正
    Guitar: 工藤恭司

Note: although the booklet does credit "Theme of Simon" as a piece from Akumajo Dracula (X68000), the track comes from Akumajo Dracula (SFC). It is unclear if this underlines the deliberate will to rearrange the X68k version.


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Comentarios: Segunda parte de este recopilatorio de Konami, no hay mucho qué decir, es muy similar al primero en cuanto a composición y sonido, y tiene algunos de los temas más emblemáticos de la saga. Infaltable si os ha gustado el primero.

lunes, 5 de septiembre de 2011

 Naoto Shibata Project - Konami Perfect Selection Dracula Battle (1994)


Tracklist:
 
01 Beginning 4:06
02 Bloody Tears 3:50
03 Ripe Seeds 3:49
04 Cross a Fear 4:49
05 Requiem for the Nameless Victims 6:11
06 Op.13 4:24
07 Vampire Killer 3:32
08 Calling from Heaven 5:19
09 March of the Holy Man 3:08
10 Don't Wait Until Night 4:32
    Disc length 43:40                 

Notes:

Track 6 is erroneously titled "Op.13" in the booklet. It is actually an arrangement of "Slash". This has been confirmed with the Rondo of Blood PCE DUO game sound test. The corrected title can also be seen on LC-1609~10, LC-1715 / GFCA-153, and GFCA-195~213.

Track 1: from Castlevania III: Dracula's Curse
Track 2: from Castlevania II: Simon's Quest
Track 3: from Castlevania II: Belmont's Revenge
Tracks 4, 6, 9: from Dracula X: Rondo of Blood
Tracks 5, 8: from Castlevania: Bloodlines
Track 7: from Castlevania
Track 10: from Haunted Castle

Composition: Konami Kukeiha Club
    H. Funauchi: 3
    Michiru Yamane: 5, 8
    Satoe Terashima: 7
Specific composition credits for other tracks is unknown.

Arrangement: Naoto Shibata

Performance: Naoto Shibata Project
    Bass Guitar: Naoto Shibata
    Synthesizer: Yusuke Takahama
    Guitar: Akio Shimizu, Masanori Kusakabe


Sound Producer: Naoto Shibata

Director: Jun Otsuki (大槻淳)

Engineer: Susumu Masuda (増田晋)
Overseer: Koichi Suzuki (鈴木孝一)
Assistant Engineer: Ken Shibusawa (澁澤賢)

Guest #3: Eizo Sakamoto
Synthesizer Assistant: Ume-chan (うめちゃん)

Cover Design: Konami Corporation
Designer: Yasushi Ikeda (池田康史) (WORKS D)

Photography: 江尻宏明

Work Cooperation: Konami Corporation



LINK: CLICK AQUÍ                              FORMATO: MP3/320 Kbps

Comentarios: Por fin, se bien que este disco no podía faltar, y lamento la tardanza. Dracula Battle I y II del famoso y reconocido bajista japonés, Naoto Shibata (柴田直人), quien ha sido bajista de dos de los grupos más legendarios de heavy metal japonés: Loudness y Anthem.
 Para quienes aun no hayan escuchado estas dos recopilaciones de la franquicia Castlevania/Akumajo Dracula, creo que no me equivoco al decir que para los más acérrimos a la saga, este trabajo implica para nosotros una equivalencia "espiritual" a lo que es The Black Mages con la saga Final Fantasy.
  Musicalmente estas reversiones originales producidas por Naoto siguen la misma línea e influencias de The Black Mages, pero con un sonido más Vintage, y no tan progresivo, ni se ostenta un uso protagónico de Synths. De todas formas, aunque si difieren bastante en muchos aspectos de las versiones originales, la estela melódica está intacta, y las composiciones originales de Michiru Yamane están encaradas con un trasfondo más rockero, trepidante, que atrapa de entrada. El trabajo de los guitarristas es realmente muy bueno, y hay mucha Escuela Purple-Rainbow que se evidencia las partes más solistas.
 Este album y su secuela son discazos indispensables para todo amante del Rock, y las soundtracks de videojuegos, ni mencionar a los fanáticos de la saga Castlevania que aun no lo hayan escuchado.
 FINAL FANTASY XIII - PIANO COLLECTIONS PERFORMED BY AKI KURODA (2010)


Tracklist:

01 Lightning's Theme ~ Blinded By Light 3:43
02 FINAL FANTASY XIII - The Promise ~ The Sunleth Waterscape 4:46
03 March of the Dreadnoughts 3:18
04 The Gapra Whitewood 4:36
05 Nautilus 6:12
06 Vanille's Theme ~ Memories of Happier Days ~ The Road Home 4:37
07 Nascent Requiem 4:03
08 Fang's Theme 3:53
09 Reminiscence - Sulyya Springs Motif 5:16
10 Prelude to FINAL FANTASY XIII Full Version 4:45
Disc length 45:09

Notes:

Music Composed, Arranged & Produced by Masashi Hamauzu

Piano : Aki Kuroda

Recording & Mixing Engineer : Michele Forzani
Assistant Engineer : Rodolfo De Vecchi
Recording & Mixing Studio : STUDIO FORZANI

Mastering Engineer : Yuka Koizumi
Mastering Studio : Orange

Art Director : Ryota Nakazono (MASAMUNE co., ltd)
Design : Yusuke Oura, Takashi Matsuzaki (MASAMUNE co., ltd)
Main Visual Photography : Ryosuke Makita (juice & juicy)
Package Coordinator : Masayuki Kouno (Sony Music Communications Inc.)

CD Production Coordinators : Soshi Yoshida, Nozomi Miyazawa
CD Production Assistant : Kentaro Oda
CD Promotion Coordinator : Akio Shiraishi
CD Production Desk : Chizuru Abumiya

Executive Producer : Izumi Tsukushi

Supervisor : Koji Taguchi

Spacial Thanks
Tetsuya Nomura, Akio Ofuji, Masato Kogure, Yohei Murakami,
Keiji Kawamori, Yasuharu Fukushima, Mina Sakai, Yoichi Sugiyama, Ayane Hamauzu
Makiko Kuroki (TO-ON KIKAKU Company), Toshiki Watanabe (TO-ON KIKAKU Company)




                 Lightning's Theme Original Version.

LINK: CLICK AQUÍ                                   FORMATO: MP3/ 320 Kbps

Comentarios: Más para los fanáticos de Final Fantasy. Lamentablemente creo que este juego no estuvo a la altura de sus antecesores, no obstante, su banda de sonido tiene algunas piezas memorables como Blinded By Light, Lightning's Theme o March Of The Dreadnoughts entre otras. Preferí postear este disco y no así la soundtrack original, porque está interpretado por una pianista clásica que me encanta, la señorita Aki Kuroda. Las versiones interpretadas aquí no serán de lo más elaboradas para los pianistas más exigentes, pero la verdad es que la calidad es impecable. Hay muchos videos de Aki Kuroda tocando numerosas obras clásicas, e incluso versiones de nuestro maestro Astor Piazzolla, lo cual nos habla un poco del nivel emotivo de esta gran pianista.
 Esta publicación está dedicada a mí amiga española Tifita de Final's World, la más grande admiradora de esta saga que he conocido, y una admirable artista.

domingo, 4 de septiembre de 2011

Reflexiones acerca de la actualidad del género Progresivo…


 Ya se han cumplido unos cuantos meses desde la creación de este Blog, y luego de haber compartido un poco de material inusual con ustedes, siento la profunda necesidad de expresar ciertas sensaciones, nociones, inquietudes y perspectivas de distinta índole, las cuales ya hace bastante tiempo me producen ruido o rechazo, y que tienen que ver fundamentalmente con la actual escena género que no sé si es el que más conozco, pero sí el que más he escuchado, la música progresiva.

 Llevo muchísimos años como aficionado de la música, mis primeras grandes influencias del Rock fueron a partir de la niñez, y ya desde esa época comenzó a llamarme la atención la música instrumental  y orquestal que solía escuchar en los videojuegos que jugaba.  Soñaba con tener un piano propio, pero dada la situación económica de mí familia en aquel entonces, tuve que conformarme con una guitarra acústica, instrumento que con el paso del tiempo aprendí a amar. Mí afinidad por la guitarra se enfatizó cuando escuché por primera vez Iron Maiden, Deep Purple y al guitarrista Walter Giardino de mí país, podría decir que fue el primer gran impacto musical en mí vida durante la adolescencia, el cual me orientó hacia estilos más pesados, Metal y Hard Rock. Durante los posteriores tres o cuatro años indagué obsesionadamente en casi todos los géneros de Metal habidos y por haber lógicamente escuchando a las bandas más representativas de cada estilo, desde los más clásicos y melódicos,  pasando por el Power Metal, Gothic, Symphonic, Neoclásico, e incluso Folk, Viking o Death, hasta llegar finalmente al Metal Progresivo, este último fue aquél más me atrapó.

 Hay que hacer incapié incialmente en la trepidante y arrolladora influencia que tuvo internet en el mundo de la música en menos de diez años. El Acceso masivo a tanta música de cualquier parte que tan sólo se encuentra a un click de distancia de nosotros ha repercutido notoriamente en nuestra forma de valorar a los artistas, y por sobretodo a sus obras. Ningún género está exento de esta condición, el Metal Progresivo no es la excepción a la regla. De hecho, he sido un claro testigo de cómo este patrón sigue en proceso acelerado en menos de 6 años que escucho Progresivo. Es de Perogrullo decir que el Metal Progresivo hace 5 años no era ni la mitad de lo popular que es en la actualidad. Aun recuerdo aquellos días iracundos en los cuales me pasaba horas tratando de convencer a la gente de que escuchara bandas como Ayreon, Symphony X, Adagio u Opeth, cuando hoy son nombres mayores que no necesitan presentación por el fenómeno que son.

 El primer conflicto que me he planteado durante estos años es la “gran brecha” (muchísimas veces irreparable), entre los seguidores y amantes del Rock Progresivo clásico, y los más jóvenes aficionados del  Metal Progresivo. En la mayoría de los casos, a modo de guerra o riña de gallos, los primeros argumentan su pasión exclusiva alegando que en el género ya se ha inventado todo y que las nuevas tendencias carecen de la base (cosa que no es del todo equívoca), mientras que los segundos se consideran más “evolucionados” y con muchos más recursos. Lo cierto es que tristemente de ambas partes se ignora el origen de cada una, y que no debe nunca dejar de valorarse la esencia fundamental que es y debería ser un común denominador , ya que ambos géneros son polos un mismo cuerpo. Me pregunto cuántos fanáticos progresivos sabrán que el primer músico en experimentar sonidos sintetizados con una Ondiolina interpretando obras de música clásica fue un francés conocido como Jean-Jacques Perrey, uno de los pioneros directos de la música electrónica y progresiva junto con otros como Robert Moog, y que él, en un laboratorio experimental y estudio de grabación  inventó "un nuevo proceso para generar ritmos con secuencias y ondas", utilizando los sonidos ambientales de la "musique concrète”.

Un poco de historia…

 Un gran debate que me he planteado más de una vez, que aun hoy en día induce cierta nube espesa de incertidumbre en mí cabeza, es basicamente sobre el Concepto de la Música Progresiva. Supongo que para indagar más seriamente en la cuestión, a priori deberíamos conocer un poco más sobre las raíces del género allí por mediados de los años 60’.

  Con las nuevas perspectivas sonoras que introdujo la llegada del sintetizador analógico y el apogeo del Rock Psicodélico, comenzó a gestarse una “metamorfosis” de algunas bandas que decidieron cruzar las fronteras técnicas y compositivas del Rock Clásico de la época, yendo más allá de las estructuras que se limitaban a un simple estrofa-estribillo. La necesidad de esta nueva corriente compositiva llevó a los músicos progresivos a explorar estructuras musicales extendidas que incluyeron intrincados patrones instrumentales y texturas, y a menudo temas esotéricos. Muchos de estos grupos tenían grandes influencias de la Escuela Clásica y el Jazz, de los cuales incluyeron muchos elementos y arreglos, e incluso también música étnica y tradicional de distintas partes del mundo. Las composiciones instrumentales de larga duración es algo característico, y las letras de las canciones se apartan de la temática habitual del Rock, incluyendo reflexiones filosóficas o referencias a mundos fantásticos, entre otras cosas. También fueron quienes llevaron el Album Conceptual a lo que hoy en día es. Muy básicamente se pueden separar tres grandes períodos históricos: Apogeo y ocaso del Rock Progresivo Clásico, Nacimiento del Neoprogresivo, y el Fenómeno del Metal Progresivo.

A continuación, voy a citar la definición de Rock Progresivo de la Wikipedia, que habla un poco acerca de los orígenes, es un buen artículo, un poco incompleto para mí gusto, pero me gustaría que analicen el concepto general que le adjudica al género (para ver el artículo entero remitirse al siguiente Link).

“El Rock Progresivo (en inglés progressive rock, prog rock o prog) es un subgénero del rock aparecido al final de la década de los sesenta y que floreció durante la primera mitad de la década siguiente. El adjetivo progresivo alude tanto al carácter innovador que tuvo inicialmente el género (concebido como un paso adelante en el progreso de la música rock) como a la importancia que concede a la progresión musical: uno de sus clichés más característicos es el paso gradual, progresivo, de una sonoridad bucólica (acústica, medieval, folk, modal, de tiempo lento) a otra urbana (eléctrica, tensa, acelerada, con influencia del blues y del jazz). La influencia rítmica del estilo se remite directamente a la música folclórica de los Balcanes, que también fue fuente inspir.tiva para Debussy y Stravinski en la música docta y es evidente en pasajes y temas de muchas bandas del estilo.
Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de movimientos, como en las obras de música clásica y por la adición paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas musicales planteados en la pieza y la improvisación, cercana a menudo a los cánones del jazz junto con un componente experimental heredado de la música electrónica. Son características del género las canciones largas, los álbumes conceptuales las letras ambiciosas, el virtuosismo de los instrumentistas y un uso prominente del melotrón y sintetizadores. Aunque no todos estos rasgos se dan siempre, son habituales en las bandas que dieron forma al género, como Soft Machine, The Moody Blues, The Nice, King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, Camel, Focus, Genesis, Gentle Giant, Jethro Tull, Pendragon, Supertramp,  Mike Oldfield, The Alan Parsons Project , Pink Floyd, Rush, Renaissance, y Yes. Los conciertos de estas bandas son generalmente grandilocuentes y espectaculares, especialmente en los grupos populares de la década de 1970, tales como Yes o Pink Floyd, mientras que sus letras suelen tener pretensiones literarias, a diferencia de las de los grupos de otros géneros.”

 He copiado los párrafos que me parecieron más objetivos. Si alguien se tomó la molestia de leerlo, hay un término en el que me gustaría poner un alfiler, me refiero al término “Grandilocuente”. Una de las principales causas de la distorsión, y a veces tergiversación conceptual/artística del género, alude a una gran sobreestimación de lo a veces esperpénticamente “más complejo, superior técnica y conceptualmente”, y una consecuente subestimación de lo estructuralmente más simple. Esta supuesta “supremacía” a menudo sobreexplotada hasta los límites, ha ocasionado en el pasado la desvalorización de elementos musicales y sonoros, y lo sigue haciendo aun más en la actualidad. La búsqueda constante de un ideal de perfección que pareciera siempre estar exclusivamente ligado a una sobreexplotación de la complejidad técnica y virtuosismo instrumental, a interacciones rítmicas a veces más intrincadas de lo que deberían, a la supresión total y parcial de melodías y armonías agradables reemplazadas por atmósferas exageradamente oscuras difíciles de “digerir”, resumiendo un poco la lista. Este desfasaje intelectual y conceptual de género es algo que viene arrastrándose desde sus inicios, y se acentuó de manera desorbitada con la escena actual del Metal Progresivo, sobretodo con la masiva y reciente influencia de bandas europeas y estadounidenses como por ej. Opeth, Adagio, Ayreon, Therion, Symphony X, Pain of Salvation, Pagan’s Mind, etc. 
 Voy a citar una frase de un crítico que hizo a Emerson, Lake & Palmer, una de las bandas más representativas de la época, cuyo contenido sintetiza bastante bien las inquietudes que escribí anteriormente.

“Emerson, Lake & Palmer empujó el rock progresivo hacia excesos técnicos que, básicamente, borraron el mérito que pudo tener su fusión de jazz y clásico". La música de ELP, que se volvió cada vez más pretenciosa y grandilocuente, parte de un malentendido fundamental sobre lo que significa 'virtuoso’.”

Las matrices musicales

Como músico compositor, a lo largo de los años me he topado con este gran dilema, el cual me ha obsequiado numerosas frustraciones. Existe en la actualidad una serie de matrices, esquemas y modelos ideales del género progresivo, de los cuales es muy difícil salir si no cuentas con los recursos necesarios. Por empezar, esto se debe en gran parte a la dogmatización e idealización de ciertas tendencias compositivas impuestas por los grupos más representivos del género, y esta característica se pone típicamente de manifiesto en el Metal Progresivo. Muchos de ustedes habrán notado como es habitual que la mayoría de las bandas de Metal Progresivo se autocatalogan a sí mismas muchas veces  a modo de producto, incluso llegando a poner el título del género en la tapa de sus discos inmediatamente debajo del nombre de la formación (tan sólo basta con entrar al Myspace y chequear cualquier banda de Metal Progresivo para confirmarlo), aunque si bien esto algo relativamente trivial, el mayor dilema viene con la carencia total de identidad artística, espiritual e intelectual en materia compositiva y conceptual. Da la sensación de que un 90% de las bandas salieran de las mismas Universidades de siempre, es decir, la Universidad Rush-Dream Theater, Symphony X, King Krimson u Opeth, y algunas que otras más. He escuchado más de 200 bandas de Metal Progresivo de todo el mundo, y casi todas se amoldan con los mismos patrones y metodologías que ya han sobreexplotado hasta el punto de la saturación irracional sus bandas inspiradoras, dejando así de lado, la esencia de la palabra “Progresivo”, y dando lugar a la involución musical y posterior desvirtuación del género, por más irónico que suene…

 Este formato de presentación donde la palabra “simplicidad” es casi un tabú, elementos básicos como la armonía y la melodía han sido muy subestimados. Composiciones innecesariamente largas donde los puntos y contrapuntos no son armados con el objeto de enriquecer la obra, sino con el motivo de demostrar una supuesta grandeza y poderío individual. El gran vacío de interacción entre los integrantes que muchas veces para una competencia constante con su propio Ego, y el de los demás. Solos e improvisaciones interminables descontextuados no suman absutalmente en nada a la emotividad de las obras. Un doble bombo sin que el que pareciera imposible hacer música, teclados que se limitan siempre a los mismos sonidos reiterados incoherentemente como Hard Synth Leads con distorsión con los que todas las melodías mid-tempo suenan mal, Strings y algunos Pads o Soundscapes carentes de cuerpo y sonoridad. Muchas bandas a menudo ostentan secciones de Jazz o Música Clásica, cuando curiosamente adolecen de sus bases espitituales. Esta ortodoxia musical excesiva ha propiciado junto con el impulso de la masificación a través de la red, una sobreestimación de la superficialidad, y corrupción y desvalorización en gran parte parámetros fundamentales de lo que sigue siendo ante todo, Arte.


Dream Theater.
Adagio.

Opeth.

Pagan's Mind.

Symphony X. Me pregunto porqué todos estos tipos lucen igual.


La perfección sonora

¿A quién no le ha pasado de estar en un recital de una de sus bandas preferidas, y que todo suene calamitosamente mal? Bueno, seguramente muchos le atribuyan esto a las posibles malas condiciones acústicas del lugar, o a la carencia de equipamiento, o mayoritariamente, la inoperancia del sonidista. Sin embargo ¿a quién se le ocurriría pensar que su banda favorita no toca tan bien como parecía, o que no tiene la suficiente preparación técnica y sonora para sonar como lo hacen en sus discos?

 Hemos llegado aquí a unos de los temas que más me apasiona, el sonido. El hecho de haber estudiado la carrera de sonido y grabación ha cambiado drásticamente mí forma de percibir la música. La mayoría de la gente ignora por completo el trabajo  tan artesanal que hay detrás de un disco de estudio, al menos, en los buenos discos. Este trabajo meticuloso llega incluso a veces a ser muy superior al de la misma banda, como dicen por ahí “el empaquetamiento es más importante que la materia prima”.

 Uno de los ejemplos más representativos de la idea citada, es el Metal, el Metal Progresivo en este caso. La mayoría de las bandas progresivas no son lo que aparentan, los productores son quienes se encargan hacernos creer ese cuento, que un gran porcentaje se lo traga. Pues estos tipos son los que más saben de música y sonido, por consiguiente estudian y saben qué parámetros explotar de su materia prima para llegar a un público sediento de ese producto, sed que se estimula gracias una fastuosa infraestructura de la imagen y la superficialidad.
 Dicho trabajo se basa fundamentalmente en generar una sensación de Perfección Sonora. A lo que me refiero con esto, es que para lograr tal cosa, hay determinados elementos que deben eliminarse y otros exagerarse hasta donde sea necesario.  El primer enemigo de los ingenieros en esta meta, es la “crudeza” natural de los instrumentos, suprimir la sensación del “vivo” en las bandas progresivas ya no es redituable evidentemente, por lo cual la naturalidad del sonido ha sido impuesta como un criterio de insonoridad en la mayoría de las bandas del Metal Progresivo. La cuantización exagerada de toda la pista es un elemento indispensable para los técnicos, la cual aumenta la intensidad constante rítmica, la sensación de prolijidad, y además facilita enormemente el trabajo pudiendo así homogeneizar la mezcla.
 Todo ruido natural de los instrumentos que opaque esta prolijidad artificial es eliminado, al igual que los Staccatos irregulares, cambios abruptos de longitud de onda y ganancia de los instrumentos, así como ediciones de audio que modifiquen la velocidad de sampleo, corrigiendo de tal forma errores e irregularidades en la interpretación, algo muy común en las características melodías paralelas rápidas del estilo.

Los avances tecnológicos en materia de audio digital han repercutido considerablemente en ésta condición. El nuevo estatus de lo musical en la era digital, una era caracterizada cada vez más por el uso del ordenador como principal instrumento o “metainstrumento” de la música contemporánea, la omnipresencia del ordenador en casas y estudios ha instaurado una nueva pragmática de la creación y la audición musicales. He leído hace un tiempo este trabajo publicado por la Revista Transcultural de Música, muy interesante que menciona esta teorización de una nueva realidad musical, muchas veces ligadas al concepto de perfección sonora (LINK).

 También hacer énfasis en el desconocimiento e ignorancia total y parcial que tienen los músicos de las infinitas posibilidades de cada instrumento. Por ejemplo, es muy triste que la mayoría de los tecladistas no conozcan las categorías de su instrumento propio, ni mucho menos qué tipo de parámetros caracterizan cada sonido, o en dónde reside su naturaleza. En cuanto a conocimientos de síntesis, la mayoría cree que eso es materia de expertos y simplemente se resignan copiar bancos de sonido que se reiteran y repiten en todas las bandas como cartas. Se ha perdido y dejado atrás el uso de los sonidos legendarios del Rock, como el Hammond B3, el Melotrón, Piano Rhodes, Bells, sintetizadores analógicos, Soft Pads & Leads (muchos no tienen la menor idea de cuales son), y ni hablar de instrumentos étnicos, u otros más clásicos como saxo y vientos. Las guitarras se han limitado a puros sonidos incoherentemente graves que reemplazan a un bajo que se dedica más a hacer solos, frases complejas e improvisaciones casi tanto como una guitarra, que a sostener una base sólida que mantenga la intensidad.  Mientras que la Batería, perfectamente cuantizada , se encarga de generar toda esa agresividad y falsa grandilocuencia a base de ritmos burdamente intrincados y descontextuados que entorpecen la mayoría de las veces el desarrollo agradable de una canción. Todo ello sumado a un gran trabajo de programación que termine de ponerle el broche de oro a una producción más, idéntica a las 1000 más que salen todos los meses.

 El legendario minimoog.

 El clásico mellotron, todo un estandarte del rock progresivo clásico.

 El inigualable Hammond B3, y por encima de el, el Clavia Nord Lead 3. Dos bestias de cada época.

 El hermoso y nostálgico Fender Rhodes, irremplazable aun hasta la fecha.

 Esto a mí criterio, explicaría muchas veces porqué muchas bandas suenan tan precariamente en vivo, con una diferencia grosera entre lo que hemos comprado en el disco, a lo que nos ofrecen en el escenario.

Conclusiones…

Durante estos años como un gran acérrimo (por muchos años fanático) del género progresivo, si bien me he llevado irreparables frustaciones que supusieron un fiasco espiritual, sobretodo con las bandas que por más tiempo he seguido (no voy a dar nombres para no ofender a nadie, pero quienes me conocen bien sabrán de quién hablo), mí camino por la desdiferenciación de estos patrones de la actual escena progresiva occidental me han llevado irremediablemente en la senda que me encuentro hoy. Dicho camino difícilmente tenga retorno. Sobretodo por el hecho fehaciente de haber aprendido a valorar a aquellos que sí hacen las cosas bien. He descubierto en la música instrumental y la música japonesa todos esos pequeños grandes ingredientes que hacen realmente bella a la música. En este humilde espacio, el espacio que yo mismo me construí, siento que mí deber aquí no es resentir gratuitamente sobre un fenómeno que para bien o para mal, existe y tiene su razón de ser. Aprender a disfrutar de aquello fuera de los modelos, de la riqueza compositiva en bruto, no influenciada por idealismos y dogmas adjudicados a personajes aparentemente inmaculados e incuestionables, quienes nunca cometen errores para sus seguidores. 

 Pienso y siento fundamentalmente que las buenas armonías y melodías son independientes a cada género y tendencia. No hay limitaciones para los instrumentos y su inclusión en los distintos estilos. El rol del audio digital no debería ser el de crear esta nueva realidad de una perfección artificial, sino más bien de mejorar, explotar y pulir el trabajo de maneras con el fin producir una obra globalmente mejor, respetando el espíritu, naturaleza, emotividad y crudeza de cada artista. Se debe ser siempre consciente del origen de lo que estamos haciendo, y aunque nos parezca lejano minimamente, hay que respetarlo.

Por último, debemos siempre tener en claro que somos intérpretes, mediadores entre los instrumentos y la emoción, que tenemos la posibilidad de transmitir toda esa fuente de sentimientos y sensaciones que repercuten tanto en nosotros como los demás, tener esto en claro implica eminentemente, nuestra identidad como artistas, como seres sensibles.


Iván Silva. Buenos Aires, 04/09/2011.

sábado, 3 de septiembre de 2011

 SOUL EDGE - ORIGINAL ARCADE SOUNDTRACK - SUPER BATTLE SOUND ATTACK (1996)


Tracklist:

01 The Wind and Cloud 2:44
02 Opening Title Ver. 1 0:16
03 Epic Calling! 1:15
04 Into the Battle 0:08
05 Future Dancin' 1:37
06 And the Blind Shall See 0:47
07 Heavenly Engage 3:13
08 Soul and Sword 2:47
09 Goddess in Triumph 0:50
10 Dragon's Call 2:52
11 "The Deed is Done" 0:50
12 The Gears of Madness 2:47
13 Kkaduri 2:08
14 War Age 0:50
15 Horangi Arirang 2:47
16 Sparrow's Return 0:50
17 Recollect Continent 3:04
18 Bravely Folk Song 3:08
19 Sunrise Promise 0:50
20 Opening Title Ver. 2 0:27
21 The Carnage Has Begun ~ Into a Trance 0:49
22 Coming Soon 0:25
23 Courage 1:41
24 World Atlas Collapsed 2:39
25 The Last Bit of Hope ~ Dragon's Gasp 0:50
26 Finale and End Credit 1:50
Disc length 42:24

Notes.

All tracks composed by Takayuki Aihara, except for tracks 9, 11, 16, 20 and 25 composed by Takanori Otsuka.

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Comentarios: Aquí la soundtrack original de la versión Arcade. No subestimar le hecho de que esté programada en MIDI, la orquestación y el trabajo de capas está realmente impecable, todo un ejemplo de una obra meticulosamente trabajada hasta el más mínimo arreglo. Pensar que otras bandas autonombradas "sinfónicas" no logran la misma intensidad musical ni aun con los avances tecnológicos en programación...

 Para coleccionistas realmente, aquellos que hayan jugado a Soulcalibur deberían comparar esta banda sonora con las actuales y verán que mís comentarios no son nada ilógicos.
 SOUL EDGE - ORIGINAL SOUNDTRACK KHAN SUPER SESSION (1996)



Tracklist:
01 Doubtful Judgement 3:46
02 The Edge of Soul 4:20
03 An Oath of the Sword 1:33
04 P.N.K.N. 3:46
05 Castaway in Darkness 3:42
06 Hagakure 3:58
07 Eternal Memories 1:31
08 A Haunting Wind 3:58
09 Another Fanatic 3:43
10 Moonlight Shadows 4:25
11 A Continental Gale 3:46
12 Tiny Amulet 3:44
13 Yellow Sands 3:31
14 A Mediterranean Call 3:45
15 Darkness of Fate 4:07
16 Our Way Home 4:34
Disc length 58:09
Notes
01)
Composed by: Masumi Ito
Arranged by: Masumi Ito
Bass: Yoshihiro Naruse
Drums: Shuichi "Ponta" Murakami
Electric Guitar: Hirokuni Korekata, Bentenmaru (弁天丸)
Percussion: Nobu Saito
02)
Composed by: Bentenmaru
Arranged by: KHAN & Kazunori Miyake
Biwa, Chorus: Bentenmaru
Gong, Taiko: 希之輔
Vocal: Minori (みのり)
Fude: 千賀
Bass, chorus: Wornell Jones
Chorus: Suzi Kim
Erhu: Cao Xuejing
Lyrics by: Suzi Kim
03)
Composed by: Masumi Ito
Arranged by: Masumi Ito
Bass: Tomohito Aoki
Drums: Eiji Shimamura
Electric Guitar: Bentenmaru
Chorus: Minori
04)
Composed by: Aki Hata
Arranged by: Aki Hata
Bass: Yoshihiro Naruse
Drums: Shuichi "Ponta" Murakami
Electric Guitar: Hirokuni Korekata, Bentenmaru
Percussion: Nobu Saito
Keyboard: Aki Hata
05)
Composed by: Masumi Ito
Arranged by: Masumi Ito
Drums: Noriaki Kumagai
Electric Guitar: Bentenmaru
Strings: Hijiri Kuwano Strings
Trumpet: Eric Miyashiro
Trombone: Eijiro Nakagawa
Bass Trombone: Taro Kiyooka
06)
Composed by: Yoshiyuki Ito
Arranged by: Yoshiyuki Ito
Bass: Yoshihiro Naruse
Drums: Noriaki Kumagai
Electric Guitar: Bentenmaru
Taiko: 希之輔
Shakuhachi: Hiroshi Soekawa (添川浩史)
07)
Composed by: Masumi Ito
Arranged by: Masumi Ito
Electric Guitar: Bentenmaru
08)
Composed by: Bentenmaru
Arranged by: Himeko Yamamoto
Bass: Tomohito Aoki
Drums, Taiko: 希之輔
Biwa, Electric Guitar: Bentenmaru
Fude: 千賀
Flute, Shakuhachi: Hiroshi Soekawa
Trumpet: Eric Miyashiro
09)
Composed by: Taku Iwasaki
Arranged by: Taku Iwasaki
Bass: Yoshihiro Naruse
Drums: Noriaki Kumagai
Electric Guitar: Bentenmaru
Synthesizer Operator: 小泉洋
10)
Composed by: Bentenmaru
Arranged by: Himeko Yamamoto
Biwa: Bentenmaru
Drums, Taiko: 希之輔
Fude: 千賀
Flute, Shakuhachi: Hiroshi Soekawa
Erhu: Cao Xuejing
11)

Composed by: Masumi Ito
Arranged by: Masumi Ito
Bass: Tomohito Aoki
Drums: Eiji Shimamura
Electric Guitar: Bentenmaru
Strings: Hijiri Kuwano Strings
Trumpet: Eric Miyashiro, Eijiro Nakagawa
Bass Trombone: Taro Kiyooka
12)
Composed by: Yoshiyuki Ito
Arranged by: Aki Hata
Electric Guitar: Hirokuni Korekata, Bentenmaru
Chorus: Minori
13)
Composed by: Taku Iwasaki
Arranged by: Taku Iwasaki
Music: 希之輔
Fude: 千賀
14)
Composed by: Masumi Ito
Arranged by: Masumi Ito
Chorus: Masumi Ito
15)
Composed by: Taku Iwasaki
Arranged by: Taku Iwasaki
Drums: 希之輔
16)
Composed by: Bentenmaru
Arranged by: KHAN & Kazunori Miyake
Biwa, Chorus: Bentenmaru
Gong, Taiko: 希之輔
Vocal: Minori (みのり)
Fude: 千賀
Bass, chorus: Wornell Jones
Chorus: Suzi Kim
Erhu: Cao Xuejing
Lyrics by: Suzi Kim


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Comentarios: Conseguir este album, fue un trabajo que me costó literalmente años. La primera vez que tuve la oportunidad de conocer este estupendo juego, fue aproximadamente cuando tenia como 11 o 12 años aproximadamente (tengo 24 actualmente) en unos Arcade no muy lejos de donde vivo, y recuerdo en aquella época como si fuese ayer que fundamentalmente me impactaron dos aspectos, los gráficos muy adelantados para lo que se veía en esos tiempos, y lo otro por supuesto fue su épica y apabullante banda sonora.
  
Eventualmente dicho juego fue lanzado para la consola Playstation, y finalmente pude adquirirlo. Me llevé una enorme grata sorpresa al evidencia que el juego ya venía con un reproductor de música propio, muy modesto, pero que nos permitía escuchar por completo todas las canciones del juego. Doble sorpresa fue cuando descubrí que esta adaptación para la máquina de Sony no solamente contaba con la soundtrack original, sino que además incluía una versión orquestada de la misma de muchísima mejor calidad (porque fue grabada con instrumentos reales). Y por si esto fuera poco, los programadores agregaron una banda sonora alternativa, a cargo de una banda híbrida tipo ensamble titulada "Khan Super Session", la cual combinaba muchísimos estilos como Rock, Jazz, Fusion, Electro, Symphonic y otras cosas más, ambientados en ese matiz medieval fantástico que caracteriza al juego. Así pues en un sólo disco, Namco nos dió la posibilidad de poder escuchar 3 bandas sonoras distintas, distintas entre sí, pero todas dotadas de una riqueza compositiva que es imposible de pasar desapercibida, algo que la Soulcalibur (continuación inmediata) no supo lograr.

 Lamentablemente no ha salido una versión oficial de la soundtrack original orquestada de la versión Playstation, aun así, se pueden encontrar audios extraidos dando vueltas por ahí. No obstante no hay que quitarle méritos a la banda sonora original, que a pesar de no contar con la misma calidad de sonido, no deja de conmover. Aquí les dejo la Khan Super Session, y posteriormente la original, que la disfruten!